O grupo capixaba Mukeka di Rato apresentou em 2025 seu novo álbum, Generais de Fralda, marcando três décadas de atividade dentro do hardcore brasileiro. O disco, lançado pela Deck, traz 13 faixas em pouco mais de 20 minutos e reafirma a estética agressiva que consolidou a banda como um dos nomes mais influentes do punk nacional.

Gravado no Estúdio Tambor, no Rio de Janeiro, e produzido por Rafael Ramos, o álbum mantém a tradição sonora do grupo: riffs diretos, vocais rasgados e uma bateria acelerada que remete ao crust punk de referência internacional. A combinação resulta em um trabalho coeso e intencionalmente áspero, que se opõe a qualquer tratamento de estúdio que suavize sua proposta estética.

A temática das letras segue o caráter político característico da banda. As composições abordam questões como militarização da sociedade, precarização do trabalho, violência institucional, farmacologização cotidiana e desigualdade social. A crítica é direta e sem ambiguidades, reforçando a postura antifascista que acompanha o Mukeka di Rato desde os anos 1990.

Entre as faixas de maior destaque está “Engenho de Sangue”, que sintetiza o tom do disco com críticas contundentes à exploração social. Já “Globo da Morte”, parceria com o rapper FBC, amplia o escopo musical do álbum ao incorporar elementos de rap em meio ao hardcore, discutindo as condições de trabalho de entregadores e motociclistas. O repertório inclui ainda composições como “Se Droga, Brasil!”, que trata da banalização do uso de medicamentos, e “Somente Moedas Acendem Velas”, que apresenta nuances melódicas sem romper a unidade estética do projeto.

Com Generais de Fralda, o Mukeka di Rato reafirma sua relevância em um cenário musical que raramente oferece espaço a discursos tão incisivos. A banda entrega um registro que funciona tanto como documento social quanto como obra musical voltada a um público que valoriza intensidade e posicionamento político. O resultado é um álbum direto, urgente e fiel à trajetória do grupo.

FAIXA A FAIXA

Generais de Fralda abre o álbum com a faixa-título, que estabelece de imediato o clima de urgência e confrontação. A música funciona como manifesto: acusa figuras de poder, os “generais de fralda”, de conduzirem a sociedade ao caos enquanto brincam com estruturas de autoridade. Na sequência, “Predadores Armados” aprofunda essa crítica ao focar na violência policial e na lógica do terror estatal, mantendo a velocidade e agressividade que definem o disco. A terceira faixa, “Se Droga, Brasil!”, desloca o foco para a medicalização do cotidiano, denunciando o excesso de remédios como válvula de escape para uma sociedade adoecida.

O tom se torna ainda mais sombrio em “Criança Morta”, que expõe tragédias envolvendo inocentes, ecoando guerras, conflitos e negligências sociais. Em seguida, “Engenho de Sangue” revisita as raízes coloniais brasileiras, denunciando o racismo estrutural e a herança violenta que molda o país. Já “Filho da Rua” volta o olhar para a população em situação de rua, retratando abandono, invisibilidade e desigualdade com um senso de desespero contido no instrumental acelerado.

A crítica ao conluio entre poder econômico e autoritarismo aparece em “Fascism and Big Business”, que liga militarização, indústria armamentista e opressão social. A oitava faixa, “Somente Moedas Acendem Velas”, introduz uma rara mudança de atmosfera: com ironia e leveza melódica relativa, a banda critica instituições religiosas que lucram com a fé e o sofrimento. Logo depois, “Tá Fácil Morrer, Tá Fácil Matar” surge como um ataque relâmpago, curtíssima e brutal, escancarando a banalização contemporânea da violência.

Em “Globo da Morte”, a banda aborda a precarização do trabalho dos motociclistas e entregadores, reforçada pela participação do rapper FBC, que acrescenta uma camada urbana e narrativa ao hardcore da banda. “Ferrão” retoma um tom mais abstrato e poético, destoando das críticas diretas das demais faixas e oferecendo um intervalo mais simbólico dentro da agressividade geral do álbum. Já “Último Dia da Guerra” resgata relatos da Segunda Guerra Mundial para refletir sobre trauma, destruição e memória histórica, conectando conflitos antigos a tensões atuais. O disco se encerra com “Desgraça Capixaba”, faixa com tom sarcástico que denuncia problemas estruturais do Espírito Santo, mesclando críticas políticas com influências rítmicas que expandem o espectro sonoro do trabalho.

O resultado desse percurso é um álbum compacto e incisivo, que utiliza velocidade, distorção e lirismo direto para construir um panorama das contradições e feridas sociais do Brasil contemporâneo.

O álbum Delirium marca a estreia da banda curitibana Humanal no cenário nacional com uma força rara para um primeiro trabalho. Lançado em 13 de agosto de 2025, o disco consolida a sonoridade que o grupo vinha desenvolvendo desde seu EP inicial e da repercussão conquistada com o single “A Resistência”, de 2023, além de sua participação em eventos relevantes da cena metal, como o Bangers Open Air e a abertura para a banda russa Slaughter to Prevail .

Com uma fusão de metal progressivo, groove e elementos extremos, “Delirium” aposta em densidade e variação. A produção privilegia uma estética crua, mas equilibrada, que preserva a aspereza do gênero sem comprometer a inteligibilidade dos instrumentos. A vocalista Tati Klingel se destaca ao alternar com naturalidade entre guturais vigorosos e passagens limpas, imprimindo personalidade e peso emocional às composições .

As letras, majoritariamente críticas e introspectivas, abordam temas como saúde mental, vício, alienação tecnológica, esgotamento, colapso ambiental e religiosidade, sempre com uma abordagem direta e pouco complacente. A faixa “Xawara”, cantada em português e inspirada na obra A Queda do Céu, de Davi Kopenawa, surge como um dos pontos altos do álbum: um momento de originalidade rítmica e temática que amplia a paleta estética da banda . Já “Burnout” funciona como um retrato cru do esgotamento contemporâneo, conduzida por alternâncias vocais que reforçam a sensação de desorientação e pressão constante .

Ao longo das dez faixas, a Humanal demonstra domínio técnico e maturidade artística. O álbum é coeso, intenso e consciente de seu discurso, evitando soluções fáceis e buscando equilíbrio entre brutalidade e melodia. Para a cena metal nacional, “Delirium” surge como um trabalho de estreia robusto, que posiciona a banda não apenas como uma promessa, mas como um nome disposto a ocupar espaço com autenticidade, peso e reflexão.

Faixa-a-faixa

1. “Echoes of Ether”

A abertura já entrega o tom: riffs agressivos e andamento acelerado. A faixa causa uma sensação de urgência e tensão um chamado imediato à atenção, preparando o terreno para as intensas reflexões que vêm a seguir.

2. “Abyss”

Aqui a banda desacelera um pouco, dando espaço para a cozinha, especialmente o baixo se destacar. A composição mistura peso com técnica, explorando grooves inesperados. Para além da agressividade, “Abyss” traz uma leve variação de clima, mostrando versatilidade.

3. “Addiction”

Uma das faixas mais densas do álbum: combina mudanças de andamento, variações de intensidade e vocais guturais bem potentes. Segundo a banda, e como refletido no videoclipe lançado, a música capta a energia dos shows ao vivo visceral, crua e honesta.

4. “Burnout”

Marca-se por sua carga emocional: alternâncias entre vocais limpos e agressivos criam um contraste que reforça o tema de esgotamento mental, angústia, pressão contemporânea. É uma faixa que convida à reflexão, sem abrir mão da intensidade.

5. “Vanity”

Nesta música, o peso retorna com força: guitarras rispidas e um baixo marcante dão o tom. A faixa tem um riff que remete ao metal clássico/trash e caminha para momentos melódicos, um equilíbrio agressivo e melódico que mostra parte da amplitude da Humanal.

6. “Oppressor”

Com uma pegada rítmica e crescente, “Oppressor” soa quase como uma marcha dura, firme, implacável. A construção instrumental evoca imagens de força e opressão, reforçando o clima sombrio e contestador que permeia o álbum.

7. “Xawara”

Talvez a faixa mais original do disco. Cantada em português e inspirada no livro A Queda do Céu de Davi Kopenawa ela traz influências indígenas e um groove que mistura peso e ancestralidade. A guitarra tem traços que lembram o metal brasileiro tradicional, mas a vibe é única: ritualística, intensa, com identidade própria.

8. “Animal Social”

A faixa aposta numa estrutura fragmentada, com viradas inesperadas e uma bateria bem marcada inclusive com bumbos duplos. Esse dinamismo cria uma sensação de inquietude, colaborando com a atmosfera crítica e desconfortável proposta pelas letras.

9. “Spiritless”

Aqui, o baixo volta a se destacar, conduzindo uma construção mais progressiva. A música mistura momentos mais calmos com explosões instrumentais, espelhando a pluralidade do som da banda. Representa bem o espírito experimental e ambicioso do álbum.

10. “The Art of Losing”

Para fechar, a faixa é mais cadenciada e pesada, com forte carga emocional. Não é a que mais exibe técnica, mas talvez seja a que mais entrega sentimento: traz um senso de finalização, de conclusão de jornada. Fecha o álbum com impacto e deixa a impressão de “retorno ao começo” como se o ciclo pudesse recomeçar imediatamente.

A ordem das faixas de Delirium parece cuidadosamente planejada para criar uma jornada emocional e sonora. Abertura vigorosa, transições de tensão e alívio, variações de ritmo e atmosfera, e um encerramento que funciona como um desfecho dramático. Esperamos poder conferir um show ao vivo dessa banda tão técnica!

O álbum Como Nascem os Monstros, lançado em 2025 pela banda brasileira Manger Cadavre?, é um trabalho que reafirma a força do metal extremo nacional enquanto espaço de crítica social e reflexão sobre as contradições contemporâneas. Gravado no Family Mob Studios, com captação de Leonardo Mesquita (Surra), mixagem de Otávio Rossato e masterização de David Menezes, o disco apresenta uma produção que equilibra clareza instrumental e agressividade, permitindo que a potência sonora caminhe lado a lado com a mensagem das letras.

Concebido como um álbum conceitual, “Como Nascem os Monstros” investiga o medo em suas diversas formas: como mecanismo individual, ferramenta de controle social e gerador de violência simbólica e estrutural. As letras abordam desde a alienação e a manipulação midiática até a opressão institucional e a exploração social, mostrando que os monstros retratados não são seres sobrenaturais, mas produtos da desumanização e das contradições da sociedade. Ao cantar em português, a banda torna a denúncia mais direta e próxima da realidade brasileira, evitando abstrações e reforçando a urgência de sua mensagem.

Musicalmente, o disco mantém a agressividade característica da Manger Cadavre?, combinando thrash, crust e death metal, mas apresenta maior atenção à estrutura e à dinâmica das composições, com passagens até de um Death Doom, mas sempre acompanhados do D-beat, clássico do crust. Riffs densos e velozes se alternam com passagens cadenciadas e tensas, enquanto a bateria e os vocais acompanham com precisão o clima de tensão e desespero que permeia o álbum. A sonoridade cria uma experiência imersiva que transforma cada faixa em parte de uma narrativa maior, conduzindo o ouvinte por uma jornada que começa com inquietação e termina em uma reflexão sobre os monstros sociais e psicológicos que habitam o cotidiano.

A coerência conceitual do álbum é reforçada pela arte da capa, de Bárbara Gil, que mistura formas anatômicas e abstratas para representar visualmente o nascimento desses monstros a partir do medo e da insegurança. As doze faixas formam um conjunto orgânico, em que cada música contribui para o panorama de angústia, indignação e denúncia social, evitando que o trabalho se torne apenas uma coleção de músicas agressivas, mas sim um todo estruturado e intencional.

“Como Nascem os Monstros” demonstra maturidade artística e posicionamento crítico, reafirmando a Manger Cadavre? como uma referência do som extremo brasileiro e do underground engajado. É um disco que combina peso e técnica com consciência social, mostrando que a música pesada pode ser, ao mesmo tempo, uma ferramenta de resistência, reflexão e enfrentamento das injustiças contemporâneas.

Encontramos referências ao Death Metal Sueco, com o som cavernoso do HM-2 que Paulinho traz nas guitarras. No estilo, encontramos influência de Entombed, Bolt Thrower e Obituary. Ao mesmo passo, músicas como ‘Cancêr do Mundo’ e ‘Engaiolados’, trazem referências do heavy metal, são sons enérgicos, que nos remetem ao melhor de Wolfbrigade e Disfear, quando homenageiam bandas como Judas Priest e Motorhead.

Com um baixo muito bem executado, notamos a evolução de Bruno, que aparenta ser o mais jovem do grupo. Marcelo nos surpreende com pedais duplos brutais e a sua habitual energia do d-beat, mas com pratadas bonitas e que fazem toda a diferença no som. Por fim, o vocal de Nata está mais inteligível do que nunca, sem perder o ódio que ela despeja com maestria ao vociferar suas denúncias, como em Abutres, que aborda indiretamente a questão da Palestina e o financiamento de “israel” pelos EUA. Esse som nos faz permanecer em silêncio quando o vocal de Nata acaba sozinho.

Faixa a Faixa

1. Insônia (Instrumental)

A abertura do disco com uma faixa instrumental (pela primeira vez na história da banda) funciona como introdução de clima. “Insônia” prepara o ouvinte para a atmosfera de angústia, tensão e inquietação que permeia o álbum. A ausência de letra reforça justamente essa sensação de agonia silenciosa, o incômodo da mente que não dorme. Serve muito bem como primeiro impacto, antes que a voz e os gritos comecem a aparecer.

2. Engaiolados

Aqui começam as vozes e as letras diretas. “Engaiolados” sugere uma condição de aprisionamento físico, psicológico e social e denuncia as estruturas que aprisionam indivíduos: seja pela alienação, medo, pobreza, opressão ou manipulação. Entendemos que também aborda a FOMO (fear of missing out). Musicalmente, um peso cru e ao mesmo tempo trabalhado, com os já citados elementos do heavy metal, urgente, coerente com o estilo death/crust da banda, reforçando o desespero da condição de estar “enjaulado”.

3. Obsolescência Programada

Com esse título, a música parece abordar a lógica de descarte, não apenas de produtos, mas de pessoas, ideias, vidas. A letra denuncia como sistemas econômicos e sociais transformam tudo em mercadoria descartável, gerando sofrimento, desigualdade e precarização. Sonoramente, a faixa mistura agressividade e urgência, traduzindo a frustração e a crítica de maneira direta. O som tem um início longo, mas que não é enjoativo, mas que cede a um death crust enérgico, que possivelmente deve estar gerando mosh pits.

4. Como Nascem os Monstros

A faixa-título centraliza o conceito do álbum: como o medo, a alienação, o conformismo, a opressão e a violência social e simbólica moldam “monstros”, seres deformados pela dor, pela injustiça, pela manipulação e pela desumanização e que todos nós podemos ser “monstros” de outras pessoas. A música reune peso, densidade e tensão para transmitir a gravidade desse processo. É o núcleo temático: o álbum não fala de monstros fantásticos, mas de monstros reais, feitos por sociedades que se corroem por dentro.

5. A Terceira Onda

“Terceira Onda” se refere a uma nova fase de repressão que as Igrejas Neopentencostais utilizam como estratégia: o medo como fonte de persuasão, pois ao fiél, o inferno se pagará em vida, caso não aja conforme a cartilha. Com sonoridade intensa, a faixa expressa urgência, descontentamento e alerta para os perigos de repetição de opressões e tragédias. Destaque para as passagens melódicas da música que remetem a Carcass.

6. Paralisia

“Paralisia” evoca ideia de imobilidade, estagnação, incapacidade de reagir, talvez provocada pelo medo de se perder o pouco que se possui. A faixa transmite essa opressão psicológica, o peso da indecisão, da insegurança e do conformismo imposto. Sonoramente, riffs pesados e densos, ritmo sufocante, criando uma sensação claustrofóbica coerente com o título e o destaque se dá para os tambores de Marcelo que encerram o som como um decreto fúnebre.

7. Retórica do Silêncio

Esse título já sugere um jogo de contradições retórica que se impõe através do silêncio. Trata-se talvez da crítica ao silenciamento de vozes, à censura, à repressão, à aceitação silenciosa da opressão ou, talvez, da desistência em se discurtir, por se considerar uma perda de tempo, já que o “inimigo é outro”. A faixa provavelmente enfatiza a opressão simbólica e estrutural: o medo de falar, de se manifestar, o silêncio imposto. Musicalmente, alternar rupturas abruptas, tensão, agressividade com um final memorável que induz ao goregrind (mas bem curto).

8. Mortos que Caminham

Um título metafórico, “Mortos que Caminham” sugere alienação por meio de redes sociais, alienados que vivem em modo automático, sem consciência, sem autonomia, zumbis de um sistema doente. A música provavelmente traz urgência em rever o consumo digital, refletindo a desolação e a desumanização que esses processos causam no indivíduo. Sonoramente, é a faixa que mais curti, com palhetadas de Thrash e a essência caótica do crust.

9. Murmúrio

“Murmúrio” aparenta ser um som mais pessoal, que aborda o medo de tentar (O lamento pelo que não foi). A faixa trabalha atmosfera de tensão psicológica, angústia, caos mental em uma bonita poesia melancólica (As ondas são os fantasmas, que nos atrapalham o sono / Em um vai e vem de desejos tardios / Atormentados por um murmúrio). É a faixa mais introspectiva, sombria, explorando o medo subjetivo, o sofrimento silencioso e a instabilidade emocional. Sonoramente, mescla doom, sludge, death metal, com passagens mais rápidas que demonstram esse caos sentimental.

10. Efêmero

A faixa “Efêmero” assume no álbum a posição de provocar não apenas com sua sonoridade, mas com uma imersão sensorial no terror psicológico da experiência humana. No videoclipe, essa proposta se materializa: a banda opta por representar a crise de pânico como um encontro súbito e brutal entre o indivíduo e seus próprios demônios internos, transformando o medo invisível em horror concreto. Musicalmente, “Efêmero” dialoga com essa atmosfera: o som, agressivo, dá espaço a uma narrativa de angústia e desespero, coerente com os sintomas: taquicardia, sufocamento, sensação de irrealidade. A voz, os riffs e os elementos rítmicos funcionam como ecos desse mal‑estar: rápidos, sufocantes, quase claustrofóbicos, como se o som também estivesse respirando de forma descontrolada, junto com quem sofre a crise. Um dos pontos altos do disco.

11. Câncer do Mundo (Capitalismo)

Aqui a crítica social e política se torna explícita e direta. Com “Câncer do Mundo (Capitalismo)”, a banda denuncia o sistema capitalista como doença destrutiva que corrói sociedades, gera desigualdades, sofrimento, desumanização. A faixa provavelmente é uma das mais combativas do álbum: riffs pesados, agressivos, letras contundentes, denúncia social clara. A música simboliza o colapso moral e social gerado pela ganância, pelo poder e pela exploração. No som, também encontramos referências de heavy metal, death e o crust.

12. Abutres

Fechando o álbum, “Abutres” parece representar os predadores da sociedade, aqueles que se beneficiam da miséria, da opressão, do medo, da dor alheia financiando guerras (EUA). A faixa fecha o ciclo de denúncia: depois de expor o medo, a alienação, a desumanização e o funcionamento perverso das estruturas, resta apontar quem lucra com tudo isso. A música traz uma sensação de revolta, urgência, condenação. É o fechamento de um disco que não apenas retrata monstros mas aponta seus criadores. Musicalmente, um death doom da melhor qualidade possível.

Por fim, o Manger Cadavre? apresentou um disco muito diverso, mas com músicas que se conversam. Temos muitas referências, mas ouvimos e dizemos: caralho, isso é muito Manger Cadavre? e a banda sabe muito bem para onde está indo. Com certeza um dos melhores do ano!

Once Alive Always Dead, novo álbum do Open The Coffin, banda de death metal old school de Natal/RN liderada por Cláudio “Slayer” é um mergulho sombrio e visceral na mortalidade, evocando tanto a podridão corporal quanto a inevitabilidade da morte desde o primeiro acorde. Ao longo das oito faixas, a banda mantém sua essência old school, com riffs pesados, baterias cortantes e vocais cavernosos, emprestando à obra uma atmosfera densa e cadenciada que remete aos clássicos do death metal mais clássico.

A produção, gravada no Black Hole Studio (Natal) e mixada e masterizada na Heavy Track (São Paulo), acerta ao não polir demais o instrumental: o som é sombrio e cru, mas suficientemente limpo para que cada detalhe da guitarra às linhas de baixo apareça com definição. Isso dá à música uma brutalidade orgânica, quase palpável, como se você estivesse escutando um rito fúnebre metálico.

As letras são temáticas de morte, desintegração e vida efêmera: em “Burn My Coffin”, logo na abertura, há uma invocação simbólica à própria sepultura, enquanto “Tomb Number 666” evoca uma simbologia macabra, unindo a contagem infernal à própria noção de túmulo. A faixa-título, “Once Alive Always Dead”, resume o conceito central do álbum: a ideia de que a vida é temporária, mas a morte é permanente, inexorável.

Em “Carnivorous Abomination”, o Open The Coffin traz imagens grotescas de decomposição e predadores mortais, criando uma atmosfera literal de carnificina. “Embraced by the Grave” tem um tom quase romântico, ou pelo menos fatalista, como se abraçar a sepultura fosse uma escolha ou destino inevitável. Já “Decaying Flesh” aprofunda a noção de deterioração física, com riffs que evocam o lento desmoronamento do corpo humano. “Zombified” (já lançada em videoclipe) traz uma energia quase enlouquecida, com a ideia de reanimação após a morte, uma morte-viva metálica. Por fim, a faixa “Tudo Pertence à Morte” fecha o disco com uma resignação absoluta: tudo no final pertence à morte, como um chamado funesto que reforça a mortalidade universal.

Mais do que um álbum de death metal com letras macabras, Once Alive Always Dead funciona como uma declaração conceitual: a vida pode começar no momento em que respiramos, mas a contagem regressiva já iniciou, e o túmulo é a única morada permanente. O Open The Coffin entrega isso com classe, peso e uma reverência genuína ao old school, mas sem soar retrô de forma barata: cada faixa tem sentimento, propósito e, sobretudo, brutalidade. É um trabalho que reforça o valor da banda dentro da cena extrema nacional e mostra que, mesmo falando da morte, eles têm algo vivo para dizer.

Faixa a Faixa

1. Burn My Coffin
A abertura do álbum traz uma invocação intensa: “queime meu caixão”. A ideia parece ser de rejeição da própria sepultura, uma espécie de negação simbólica da morte ou uma afirmação de rebeldia contra o destino inevitável. A faixa serve como introdução ritualística, com riffs pesados e composições sólidas que estabelecem a atmosfera de podridão e desespero que vai permear todo o disco. Há uma carga emocional forte: parece que o eu-lírico quer transformar seu próprio túmulo em cinzas, como se recusasse a sucumbir pacificamente.

2. Tomb Number 666
Com esse título, a música evoca simbolismos macabros e infernais: o número 666 tradicionalmente remete ao diabo ou ao apocalipse, e “túmulo número 666” sugere que a sepultura não é apenas final, mas profana. A faixa provavelmente fala de condenação, punição, talvez de uma morte marcada, ou até de renascimento sombrio. A sonoridade segue pesada, com batidas cadenciadas e riffs graves, propondo uma jornada claustrofóbica dentro de um caixão amaldiçoado.

3. Once Alive Always Dead
A faixa-título traz o conceito central do álbum: a vida e a morte como partes de um ciclo inexorável “uma vez vivo, sempre morto”. Isso sugere que a morte não é apenas o fim, mas a única certeza duradoura depois da vida efêmera. Musicalmente, a canção é provavelmente mais ponderada, com variações de ritmo que refletem a dualidade entre viver e morrer, talvez momentos de tensão alternando com explosões de agressividade, para ilustrar essa transição inevitável entre o existir e o desaparecer.

4. Carnivorous Abomination
Aqui a banda mergulha em imagens grotescas e de horror: “abominação carnívora” remete a uma criatura devoradora, violência extrema, degradação. A letra provavelmente descreve a morte ou a decomposição como algo monstruoso, visceral, talvez um organismo predatório que consome carne e vida. A sonoridade deve acompanhar essa visão, com riffs agressivos, batidas intensas e uma atmosfera de terror primitivo, evocando a podridão e a fome insaciável pela carne.

5. Embraced by the Grave
Essa faixa representa a aceitação da morte: “abraçado pela sepultura” sugere resignação, entrega ao destino, como se o túmulo fosse um abraço final. A letra pode falar sobre cansaço, desespero ou até encontrar consolo na morte. Musicalmente, imagino que a faixa tenha um tom mais sombrio e melancólico, talvez com pausas ou riffs mais cadenciados para transmitir esse sentimento de rendição e recolhimento ao túmulo.

6. Decaying Flesh
“Carne apodrecendo” é uma imagem crua e direta da decomposição física. Essa faixa provavelmente descreve o processo de putrefação, o fim inevitável do corpo, a deterioração da carne, uma meditação brutal sobre a mortalidade biológica. A música deve usar riffs cortantes, timbres graves e uma bateria que martela como se fosse o tambor da própria tumba, para evocar o horror da decadência física.

7. Zombified
Nesta faixa, a banda sugere a reanimação depois da morte, a noção de morto-vivo, revirando fezes da existência. “Zombified” combina a ideia de retorno à vida com a podridão da morte: um ser que já morreu, mas que renasce apodrecido, sem humanidade, contaminado pela podridão. Sonoramente, temos um ritmo mais frenético, clima de caos, para representar a loucura e o desespero de existir sem vida ou uma vida sem alma.

8. Tudo Pertence à Morte
Fechando o álbum, essa faixa parece ser o epitáfio: uma constatação de que tudo, no final, pertence à morte. É como um veredicto universal: a vida, a carne, os corpos, as ambições, a memória, tudo sucumbe à podridão. Essa música provavelmente traz o peso de um encerramento definitivo, com riffs densos, atmosfera ritualística e um sentimento de resignação e fatalidade. Serve como conclusão filosófica e sombria ao conceito do disco inteiro.

O nordeste presenteou o Brasil com mais esse petardo dessa lenda do death metal brasileiro. Ouça no repeat!