O álbum Como Nascem os Monstros, lançado em 2025 pela banda brasileira Manger Cadavre?, é um trabalho que reafirma a força do metal extremo nacional enquanto espaço de crítica social e reflexão sobre as contradições contemporâneas. Gravado no Family Mob Studios, com captação de Leonardo Mesquita (Surra), mixagem de Otávio Rossato e masterização de David Menezes, o disco apresenta uma produção que equilibra clareza instrumental e agressividade, permitindo que a potência sonora caminhe lado a lado com a mensagem das letras.

Concebido como um álbum conceitual, “Como Nascem os Monstros” investiga o medo em suas diversas formas: como mecanismo individual, ferramenta de controle social e gerador de violência simbólica e estrutural. As letras abordam desde a alienação e a manipulação midiática até a opressão institucional e a exploração social, mostrando que os monstros retratados não são seres sobrenaturais, mas produtos da desumanização e das contradições da sociedade. Ao cantar em português, a banda torna a denúncia mais direta e próxima da realidade brasileira, evitando abstrações e reforçando a urgência de sua mensagem.

Musicalmente, o disco mantém a agressividade característica da Manger Cadavre?, combinando thrash, crust e death metal, mas apresenta maior atenção à estrutura e à dinâmica das composições, com passagens até de um Death Doom, mas sempre acompanhados do D-beat, clássico do crust. Riffs densos e velozes se alternam com passagens cadenciadas e tensas, enquanto a bateria e os vocais acompanham com precisão o clima de tensão e desespero que permeia o álbum. A sonoridade cria uma experiência imersiva que transforma cada faixa em parte de uma narrativa maior, conduzindo o ouvinte por uma jornada que começa com inquietação e termina em uma reflexão sobre os monstros sociais e psicológicos que habitam o cotidiano.

A coerência conceitual do álbum é reforçada pela arte da capa, de Bárbara Gil, que mistura formas anatômicas e abstratas para representar visualmente o nascimento desses monstros a partir do medo e da insegurança. As doze faixas formam um conjunto orgânico, em que cada música contribui para o panorama de angústia, indignação e denúncia social, evitando que o trabalho se torne apenas uma coleção de músicas agressivas, mas sim um todo estruturado e intencional.

“Como Nascem os Monstros” demonstra maturidade artística e posicionamento crítico, reafirmando a Manger Cadavre? como uma referência do som extremo brasileiro e do underground engajado. É um disco que combina peso e técnica com consciência social, mostrando que a música pesada pode ser, ao mesmo tempo, uma ferramenta de resistência, reflexão e enfrentamento das injustiças contemporâneas.

Encontramos referências ao Death Metal Sueco, com o som cavernoso do HM-2 que Paulinho traz nas guitarras. No estilo, encontramos influência de Entombed, Bolt Thrower e Obituary. Ao mesmo passo, músicas como ‘Cancêr do Mundo’ e ‘Engaiolados’, trazem referências do heavy metal, são sons enérgicos, que nos remetem ao melhor de Wolfbrigade e Disfear, quando homenageiam bandas como Judas Priest e Motorhead.

Com um baixo muito bem executado, notamos a evolução de Bruno, que aparenta ser o mais jovem do grupo. Marcelo nos surpreende com pedais duplos brutais e a sua habitual energia do d-beat, mas com pratadas bonitas e que fazem toda a diferença no som. Por fim, o vocal de Nata está mais inteligível do que nunca, sem perder o ódio que ela despeja com maestria ao vociferar suas denúncias, como em Abutres, que aborda indiretamente a questão da Palestina e o financiamento de “israel” pelos EUA. Esse som nos faz permanecer em silêncio quando o vocal de Nata acaba sozinho.

Faixa a Faixa

1. Insônia (Instrumental)

A abertura do disco com uma faixa instrumental (pela primeira vez na história da banda) funciona como introdução de clima. “Insônia” prepara o ouvinte para a atmosfera de angústia, tensão e inquietação que permeia o álbum. A ausência de letra reforça justamente essa sensação de agonia silenciosa, o incômodo da mente que não dorme. Serve muito bem como primeiro impacto, antes que a voz e os gritos comecem a aparecer.

2. Engaiolados

Aqui começam as vozes e as letras diretas. “Engaiolados” sugere uma condição de aprisionamento físico, psicológico e social e denuncia as estruturas que aprisionam indivíduos: seja pela alienação, medo, pobreza, opressão ou manipulação. Entendemos que também aborda a FOMO (fear of missing out). Musicalmente, um peso cru e ao mesmo tempo trabalhado, com os já citados elementos do heavy metal, urgente, coerente com o estilo death/crust da banda, reforçando o desespero da condição de estar “enjaulado”.

3. Obsolescência Programada

Com esse título, a música parece abordar a lógica de descarte, não apenas de produtos, mas de pessoas, ideias, vidas. A letra denuncia como sistemas econômicos e sociais transformam tudo em mercadoria descartável, gerando sofrimento, desigualdade e precarização. Sonoramente, a faixa mistura agressividade e urgência, traduzindo a frustração e a crítica de maneira direta. O som tem um início longo, mas que não é enjoativo, mas que cede a um death crust enérgico, que possivelmente deve estar gerando mosh pits.

4. Como Nascem os Monstros

A faixa-título centraliza o conceito do álbum: como o medo, a alienação, o conformismo, a opressão e a violência social e simbólica moldam “monstros”, seres deformados pela dor, pela injustiça, pela manipulação e pela desumanização e que todos nós podemos ser “monstros” de outras pessoas. A música reune peso, densidade e tensão para transmitir a gravidade desse processo. É o núcleo temático: o álbum não fala de monstros fantásticos, mas de monstros reais, feitos por sociedades que se corroem por dentro.

5. A Terceira Onda

“Terceira Onda” se refere a uma nova fase de repressão que as Igrejas Neopentencostais utilizam como estratégia: o medo como fonte de persuasão, pois ao fiél, o inferno se pagará em vida, caso não aja conforme a cartilha. Com sonoridade intensa, a faixa expressa urgência, descontentamento e alerta para os perigos de repetição de opressões e tragédias. Destaque para as passagens melódicas da música que remetem a Carcass.

6. Paralisia

“Paralisia” evoca ideia de imobilidade, estagnação, incapacidade de reagir, talvez provocada pelo medo de se perder o pouco que se possui. A faixa transmite essa opressão psicológica, o peso da indecisão, da insegurança e do conformismo imposto. Sonoramente, riffs pesados e densos, ritmo sufocante, criando uma sensação claustrofóbica coerente com o título e o destaque se dá para os tambores de Marcelo que encerram o som como um decreto fúnebre.

7. Retórica do Silêncio

Esse título já sugere um jogo de contradições retórica que se impõe através do silêncio. Trata-se talvez da crítica ao silenciamento de vozes, à censura, à repressão, à aceitação silenciosa da opressão ou, talvez, da desistência em se discurtir, por se considerar uma perda de tempo, já que o “inimigo é outro”. A faixa provavelmente enfatiza a opressão simbólica e estrutural: o medo de falar, de se manifestar, o silêncio imposto. Musicalmente, alternar rupturas abruptas, tensão, agressividade com um final memorável que induz ao goregrind (mas bem curto).

8. Mortos que Caminham

Um título metafórico, “Mortos que Caminham” sugere alienação por meio de redes sociais, alienados que vivem em modo automático, sem consciência, sem autonomia, zumbis de um sistema doente. A música provavelmente traz urgência em rever o consumo digital, refletindo a desolação e a desumanização que esses processos causam no indivíduo. Sonoramente, é a faixa que mais curti, com palhetadas de Thrash e a essência caótica do crust.

9. Murmúrio

“Murmúrio” aparenta ser um som mais pessoal, que aborda o medo de tentar (O lamento pelo que não foi). A faixa trabalha atmosfera de tensão psicológica, angústia, caos mental em uma bonita poesia melancólica (As ondas são os fantasmas, que nos atrapalham o sono / Em um vai e vem de desejos tardios / Atormentados por um murmúrio). É a faixa mais introspectiva, sombria, explorando o medo subjetivo, o sofrimento silencioso e a instabilidade emocional. Sonoramente, mescla doom, sludge, death metal, com passagens mais rápidas que demonstram esse caos sentimental.

10. Efêmero

A faixa “Efêmero” assume no álbum a posição de provocar não apenas com sua sonoridade, mas com uma imersão sensorial no terror psicológico da experiência humana. No videoclipe, essa proposta se materializa: a banda opta por representar a crise de pânico como um encontro súbito e brutal entre o indivíduo e seus próprios demônios internos, transformando o medo invisível em horror concreto. Musicalmente, “Efêmero” dialoga com essa atmosfera: o som, agressivo, dá espaço a uma narrativa de angústia e desespero, coerente com os sintomas: taquicardia, sufocamento, sensação de irrealidade. A voz, os riffs e os elementos rítmicos funcionam como ecos desse mal‑estar: rápidos, sufocantes, quase claustrofóbicos, como se o som também estivesse respirando de forma descontrolada, junto com quem sofre a crise. Um dos pontos altos do disco.

11. Câncer do Mundo (Capitalismo)

Aqui a crítica social e política se torna explícita e direta. Com “Câncer do Mundo (Capitalismo)”, a banda denuncia o sistema capitalista como doença destrutiva que corrói sociedades, gera desigualdades, sofrimento, desumanização. A faixa provavelmente é uma das mais combativas do álbum: riffs pesados, agressivos, letras contundentes, denúncia social clara. A música simboliza o colapso moral e social gerado pela ganância, pelo poder e pela exploração. No som, também encontramos referências de heavy metal, death e o crust.

12. Abutres

Fechando o álbum, “Abutres” parece representar os predadores da sociedade, aqueles que se beneficiam da miséria, da opressão, do medo, da dor alheia financiando guerras (EUA). A faixa fecha o ciclo de denúncia: depois de expor o medo, a alienação, a desumanização e o funcionamento perverso das estruturas, resta apontar quem lucra com tudo isso. A música traz uma sensação de revolta, urgência, condenação. É o fechamento de um disco que não apenas retrata monstros mas aponta seus criadores. Musicalmente, um death doom da melhor qualidade possível.

Por fim, o Manger Cadavre? apresentou um disco muito diverso, mas com músicas que se conversam. Temos muitas referências, mas ouvimos e dizemos: caralho, isso é muito Manger Cadavre? e a banda sabe muito bem para onde está indo. Com certeza um dos melhores do ano!

Once Alive Always Dead, novo álbum do Open The Coffin, banda de death metal old school de Natal/RN liderada por Cláudio “Slayer” é um mergulho sombrio e visceral na mortalidade, evocando tanto a podridão corporal quanto a inevitabilidade da morte desde o primeiro acorde. Ao longo das oito faixas, a banda mantém sua essência old school, com riffs pesados, baterias cortantes e vocais cavernosos, emprestando à obra uma atmosfera densa e cadenciada que remete aos clássicos do death metal mais clássico.

A produção, gravada no Black Hole Studio (Natal) e mixada e masterizada na Heavy Track (São Paulo), acerta ao não polir demais o instrumental: o som é sombrio e cru, mas suficientemente limpo para que cada detalhe da guitarra às linhas de baixo apareça com definição. Isso dá à música uma brutalidade orgânica, quase palpável, como se você estivesse escutando um rito fúnebre metálico.

As letras são temáticas de morte, desintegração e vida efêmera: em “Burn My Coffin”, logo na abertura, há uma invocação simbólica à própria sepultura, enquanto “Tomb Number 666” evoca uma simbologia macabra, unindo a contagem infernal à própria noção de túmulo. A faixa-título, “Once Alive Always Dead”, resume o conceito central do álbum: a ideia de que a vida é temporária, mas a morte é permanente, inexorável.

Em “Carnivorous Abomination”, o Open The Coffin traz imagens grotescas de decomposição e predadores mortais, criando uma atmosfera literal de carnificina. “Embraced by the Grave” tem um tom quase romântico, ou pelo menos fatalista, como se abraçar a sepultura fosse uma escolha ou destino inevitável. Já “Decaying Flesh” aprofunda a noção de deterioração física, com riffs que evocam o lento desmoronamento do corpo humano. “Zombified” (já lançada em videoclipe) traz uma energia quase enlouquecida, com a ideia de reanimação após a morte, uma morte-viva metálica. Por fim, a faixa “Tudo Pertence à Morte” fecha o disco com uma resignação absoluta: tudo no final pertence à morte, como um chamado funesto que reforça a mortalidade universal.

Mais do que um álbum de death metal com letras macabras, Once Alive Always Dead funciona como uma declaração conceitual: a vida pode começar no momento em que respiramos, mas a contagem regressiva já iniciou, e o túmulo é a única morada permanente. O Open The Coffin entrega isso com classe, peso e uma reverência genuína ao old school, mas sem soar retrô de forma barata: cada faixa tem sentimento, propósito e, sobretudo, brutalidade. É um trabalho que reforça o valor da banda dentro da cena extrema nacional e mostra que, mesmo falando da morte, eles têm algo vivo para dizer.

Faixa a Faixa

1. Burn My Coffin
A abertura do álbum traz uma invocação intensa: “queime meu caixão”. A ideia parece ser de rejeição da própria sepultura, uma espécie de negação simbólica da morte ou uma afirmação de rebeldia contra o destino inevitável. A faixa serve como introdução ritualística, com riffs pesados e composições sólidas que estabelecem a atmosfera de podridão e desespero que vai permear todo o disco. Há uma carga emocional forte: parece que o eu-lírico quer transformar seu próprio túmulo em cinzas, como se recusasse a sucumbir pacificamente.

2. Tomb Number 666
Com esse título, a música evoca simbolismos macabros e infernais: o número 666 tradicionalmente remete ao diabo ou ao apocalipse, e “túmulo número 666” sugere que a sepultura não é apenas final, mas profana. A faixa provavelmente fala de condenação, punição, talvez de uma morte marcada, ou até de renascimento sombrio. A sonoridade segue pesada, com batidas cadenciadas e riffs graves, propondo uma jornada claustrofóbica dentro de um caixão amaldiçoado.

3. Once Alive Always Dead
A faixa-título traz o conceito central do álbum: a vida e a morte como partes de um ciclo inexorável “uma vez vivo, sempre morto”. Isso sugere que a morte não é apenas o fim, mas a única certeza duradoura depois da vida efêmera. Musicalmente, a canção é provavelmente mais ponderada, com variações de ritmo que refletem a dualidade entre viver e morrer, talvez momentos de tensão alternando com explosões de agressividade, para ilustrar essa transição inevitável entre o existir e o desaparecer.

4. Carnivorous Abomination
Aqui a banda mergulha em imagens grotescas e de horror: “abominação carnívora” remete a uma criatura devoradora, violência extrema, degradação. A letra provavelmente descreve a morte ou a decomposição como algo monstruoso, visceral, talvez um organismo predatório que consome carne e vida. A sonoridade deve acompanhar essa visão, com riffs agressivos, batidas intensas e uma atmosfera de terror primitivo, evocando a podridão e a fome insaciável pela carne.

5. Embraced by the Grave
Essa faixa representa a aceitação da morte: “abraçado pela sepultura” sugere resignação, entrega ao destino, como se o túmulo fosse um abraço final. A letra pode falar sobre cansaço, desespero ou até encontrar consolo na morte. Musicalmente, imagino que a faixa tenha um tom mais sombrio e melancólico, talvez com pausas ou riffs mais cadenciados para transmitir esse sentimento de rendição e recolhimento ao túmulo.

6. Decaying Flesh
“Carne apodrecendo” é uma imagem crua e direta da decomposição física. Essa faixa provavelmente descreve o processo de putrefação, o fim inevitável do corpo, a deterioração da carne, uma meditação brutal sobre a mortalidade biológica. A música deve usar riffs cortantes, timbres graves e uma bateria que martela como se fosse o tambor da própria tumba, para evocar o horror da decadência física.

7. Zombified
Nesta faixa, a banda sugere a reanimação depois da morte, a noção de morto-vivo, revirando fezes da existência. “Zombified” combina a ideia de retorno à vida com a podridão da morte: um ser que já morreu, mas que renasce apodrecido, sem humanidade, contaminado pela podridão. Sonoramente, temos um ritmo mais frenético, clima de caos, para representar a loucura e o desespero de existir sem vida ou uma vida sem alma.

8. Tudo Pertence à Morte
Fechando o álbum, essa faixa parece ser o epitáfio: uma constatação de que tudo, no final, pertence à morte. É como um veredicto universal: a vida, a carne, os corpos, as ambições, a memória, tudo sucumbe à podridão. Essa música provavelmente traz o peso de um encerramento definitivo, com riffs densos, atmosfera ritualística e um sentimento de resignação e fatalidade. Serve como conclusão filosófica e sombria ao conceito do disco inteiro.

O nordeste presenteou o Brasil com mais esse petardo dessa lenda do death metal brasileiro. Ouça no repeat!

Aproveitando a vinda da banda paulistana de Death Grind, Desalmado, para terras recifenses (eles se apresentam no Darkside nessa sexta-feira, 28 de novembro), para revisitar o seu mais recenete lançamento: o álbum Monopoly of Violence.

Lançado em 2 de maio de 2025, Monopoly of Violence é o quarto álbum de estúdio do Desalmado. A gravação ocorreu no Family Mob Studio, com produção, mixagem e masterização feitas por Hugo Silva. É também o primeiro registro com a nova formação da banda: João Limeira na bateria e Marcelo Liam na guitarra se juntam a Caio Augusttus (vocal) e Bruno Teixeira (baixo).

A produção é moderna e orgânica, mantendo um peso muito grande que não soa como algo “limpo demais”: a brutalidade é palpável, mas os instrumentos estão bem definidos.

Musicalmente, Monopoly of Violence mescla elementos característicos do death metal técnico com a agressividade e rapidez do grindcore. As 10 faixas são afiadas, diretas e relativamente curtas, algo típico de álbuns com orientação grind, mas também cheias de demanda técnica.

Um ponto interessante é a faixa “Deaf”, que se destaca por ser mais melódica e cadenciada e com partes de hardcore, riffs mais acessíveis e até momentos de “two-step”. Esse contraste mostra a versatilidade da banda: mesmo no meio da violência sonora, há espaço para construção melódica inteligente.

Por outro lado, em faixas mais “clássicas” do metal extremo (como “Blood Thorns”), a banda mantém blast beats pesados, riffs densos e uma atmosfera sombria que reafirma suas raízes mais extremas.

Temática e Letras

Liricamente, o álbum aborda temas bastante contemporâneos e muito contundentes. A “violência monopólica” do título remete às grandes corporações de tecnologia, à influência crescente dos monopólios e à alienação da sociedade moderna. A banda faz uma leitura crítica da desigualdade, da exploração capitalista e de como essas estruturas de poder moldam comportamentos, limitam a liberdade e geram diferentes formas de opressão.

Há também uma dimensão pessoal nas letras: traumas, isolamento, angústia existencial: o Desalmado mistura o macro (sistema) e o micro (indivíduo) de forma bastante eficaz.

Este álbum reafirma o Desalmado como uma das bandas mais importantes e relevantes do metal extremo brasileiro atualmente. O som é sólido, a produção moderna, e as letras têm peso real: não são só violência gratuita, mas violência com significado, reflexão e denúncia.

É um trabalho que exige atenção: não é só brutalidade pela brutalidade, mas uma mistura de técnica, agressividade e conteúdo crítico. Para fãs de death metal técnico, grind ou quem curte metal com postura política, Monopoly of Violence entrega muito.

Faixa a Faixa

1. Anger
   A faixa de abertura é curta (1:48) e já transmite uma explosão emocional muito intensa. A letra fala de raiva (“Driven by anger”), memórias sombrias e vingança como se o eu-lírico estivesse consumido por ódio por aquilo que perdeu ou pelo que fez. Musicalmente, serve como uma introdução brutal, preparando o terreno para o resto do álbum com riffs agressivos e uma energia crua.
   
2. Trauma Bond
   Um tema muito pessoal. As letras falam de traumas, ciclos de abuso, promessas quebradas e uma conexão doentia com a dor (“Heart in pieces, I suffer silently”). A ideia de “bond” (vínculo) aqui não é algo positivo, mas uma ligação que machuca e paralisa, como se a própria ferida fosse parte da identidade do eu-lírico.
   
3. No Peace, Only Death
   Essa faixa traz uma visão apocalíptica e existencial: “Fields of starving peace does not thrive … No peace, only death.” Há uma metáfora bastante pesada entre a “paz faminta” e a morte inevitável, sugerindo que a paz verdadeira não existe o que resta é a destruição ou a resignação.
   
4. Blood Thorns
   Música muito visual e poética em termos de horror corporal: a letra evoca o corpo como algo apodrecido (“this body, consumed by worms”), rosas negras nascidas da carne, sangue escorrendo por cada poro. É uma imagem forte de dor e transformação sombria. A sonoridade reflete esse horror com riffs densos, lentos em momentos, e uma bateria que parece bater nas paredes de um túmulo.
   
5. Deaf
   Essa é a faixa mais melódica do álbum e foi destaque da divulgação. A letra fala de silêncio, solidão, desilusão (“our voices have fallen silent … Grieving our defeat”) há uma sensação de perda de conexão, talvez traumas que impedem de se comunicar ou de escutar. Musicalmente, tem partes cadenciadas, riffs mais diretos e momentos de two-step, equilibrando melodia e agressividade.
   
6. Monopoly of Violence
   Faixa-título que aborda diretamente a crítica social: corporações escravizando mentes, sistemas de dominação, leis severas, vigilância a letra questiona “como quebrar esse ciclo?” (“How to break the cycle?”). É um alerta sobre poder, controle e violência institucional, e a música acompanha com peso e urgência, reforçando a ideia de um “monopólio” da violência.
   
7. Fall of the Empire
   Aqui o Desalmado invoca imagens de revolta: “tyrants”, “barriers of alienation”, “we will destroy our crosses”. A letra sugere uma queda de impérios opressores, de regimes que exploram e matam. É uma faixa de confronto, de convocação para revolução ou vingança, e a música provavelmente tem momentos empolgados, riffs poderosos e bateria marcante para reforçar esse chamado à ação.
   
8. Pig Killer
   Uma das faixas mais provocativas: “Hunters tracking protected pigs / Chasing down their devourers / Billionaires to be slaughtered” a letra usa a metáfora dos “porcos” para representar poderosos (provavelmente bilionários) e fala de julgamento extremo (“electric chair or a bullet to the head”). É uma canção de revolta social radical, repleta de ódio contra a elite. Musicalmente, deve ser rápida, violenta e direta, espelhando a urgência da mensagem.
   
9. Last Frame
   “Machines that captured our souls … Guiding us toward collective slaughter” a letra critica a manipulação através da tecnologia, a massificação emocional e mental. Fala de “populações treinadas para semear ódio”, de cérebro torturado, de colapso digital. É uma reflexão distópica sobre como a violência moderna pode vir por meio de sistemas invisíveis e mentais. A música provavelmente tem peso técnico, clima denso e momentos de tensão para transmitir esse terror moderno.
   
10. Suffocated
    No encerramento, a letra traz imagens de destruição em massa: “devourers of human flesh / Bodies are destroyed / Lives are tortured / Bombs kill in the name of God … underground rivers flowing with blood”. É uma visão apocalíptica de guerra, genocídio, ganância e sofrimento coletivo. A música fecha o álbum com uma sensação sufocante (como diz o nome), de caos e desesperança como se a violência institucional retratada ao longo do disco tivesse explodido em escala total.

Se puder, confira essa pedrada ao vivo. Desalmado não decepciona nunca.